Anatomía del corte

El corte es el cambio instantáneo de un plano a otro, sin transición: el clip A termina en un frame y el B empieza en el siguiente. Es la herramienta que usas el 95% del tiempo. Todo lo demás (disolvencias, wipes) es la excepción, no la regla. Si dudas, corta.

Cuando un gesto cruza el corte (una mano que se cierra, una persona que se sienta), corta a la mitad del movimiento, no antes ni después. El ojo persigue el movimiento y salta por encima del corte sin registrarlo. Solapa 2-4 frames de la acción entre ambos planos para que case el ritmo.

Corta de un plano a otro donde una forma, color o movimiento de A coincide con el de B (el hueso que gira y se vuelve nave en 2001). Crea una rima visual que el cerebro lee como significado. Es un corte de autor, no se abusa: uno o dos por pieza bastan.

Un jump cut une dos planos casi idénticos (mismo encuadre, sujeto desplazado), provocando un salto visible. Es error si rompe la continuidad sin querer. Es recurso si lo usas a propósito para comprimir tiempo o dar energía nerviosa (vlogs, talking head). La clave es la intención.

En un J-cut oyes el siguiente plano antes de verlo: el audio de B arranca mientras aún ves A. Prepara al espectador, suaviza el cambio y suena profesional. El nombre viene de la forma de "J" que dibujan las pistas en el timeline: el audio se adelanta por debajo del video.

El L-cut es el espejo del J-cut: la imagen corta a B pero el audio de A continúa unos instantes. Oyes a quien habla mientras ya ves la reacción del otro. Es el corte de diálogo más usado del cine. Dibuja una "L" en el timeline: el audio se extiende por debajo del plano siguiente.

Un cutaway es un plano de algo distinto a la acción principal (manos, público, detalle); un inserto es un primer plano de un objeto dentro de la escena. Sirven para esconder un jump cut, cubrir un error de continuidad o dar información. Mantén cada uno 18-45 frames y vuelve a la acción.

Si un personaje mira hacia fuera de cuadro a la derecha, el siguiente plano debe mostrar lo que ve a esa dirección. El espectador une mirada y objeto automáticamente. Si inviertes la dirección, parece que mira al lugar equivocado y se rompe el espacio.

Al cortar entre dos planos del mismo sujeto, mueve la cámara al menos 30° alrededor del eje. Si te mueves menos, el corte parece un salto (un primo del jump cut). Con 30° o más, el cambio de ángulo se siente intencional y el ojo lo acepta.

El raccord es que los detalles casen entre plano y plano: la copa con el mismo nivel, el cigarro en la misma mano, la chaqueta igual de abierta. Un fallo de raccord saca al espectador de la historia aunque no sepa por qué. Al cortar entre tomas distintas, revisa props, posición y luz.

No esperes a que la acción o la frase muera para cortar. Sal del plano mientras aún hay impulso y entra al siguiente con energía viva. Así el ritmo se sostiene y la pieza no se desinfla. Cortar en la pausa hace que cada transición se sienta lenta y muerta.

Un split edit es cualquier corte donde audio y video no cambian en el mismo frame (J-cuts y L-cuts son casos suyos). Desfasar las pistas evita el corte seco "video y audio a la vez", que suena artificial. Solapa el audio 12-24 frames a un lado u otro para coser la conversación.

Un montaje encadena planos cortos para resumir un proceso largo en segundos: un entrenamiento, un viaje, una construcción. Suele ir sobre música y con planos de 18-45 frames cada uno. No cuenta cada paso, cuenta la idea del progreso. Es la forma más eficiente de saltar el tiempo muerto.

El cross-cutting (montaje paralelo) alterna entre dos líneas de acción que ocurren a la vez en lugares distintos: el que corre y el que espera. Sugiere simultaneidad y, al acortar los planos hacia el final, dispara la tensión. Es la base de cualquier secuencia de clímax o cuenta atrás.

Walter murch ordena seis criterios para decidir un corte: emoción (51%), historia (23%), ritmo (10%), seguimiento de la mirada, plano 2D y espacio 3D. Si tienes que sacrificar algo, sacrifica la continuidad antes que la emoción. Corta cuando la idea del plano ya se entendió, ni un frame después.

Casi cada clip llega con grasa al inicio y al final: el "ya, listo", el silencio antes de hablar, el segundo de más tras la acción. Recorta esas colas con ripple trim para que cada plano empiece y termine en su frame útil. Una pieza bien recortada se siente el doble de profesional sin cambiar el contenido.